Laura Zecchini soprano

Paolo Leonardi baritono

FontanaMIX ensemble

Francesco La Licata direttore

musiche di Kaija Saariaho / Henry Purcell

Overture in G minor instrumental (Purcell)

Botswain’s Cheer baritone (Saariaho)

Dance of the Devils instrumental (Purcell)

Miranda’s Lament soprano (Saariaho)

Dry those Eyes soprano (Purcell)

Caliban’s Dream baritone (Saariaho)

Great Neptune soprano (Purcell)

Ariel’s Hail soprano (Saariaho)

Fantasy upon One note instrumental (Purcell)

Prospero’s Vision baritone (Saariaho)

Halcyon Days soprano (Purcell)

Ferdinand’s Comfort baritone (Saariaho)

See, see, the Heaven Smile baritone (Purcell)

The Tempest Songbook è uno spettacolo costruito su una struttura musicale che intreccia parte della musica di scena per La Tempesta di Shakespeare (composta nel 1695 e attribuita a Henry Purcell) e Tempest Songbook di Kaija Saariaho, un ciclo di sei brani per soprano, baritono e ensemble di strumenti d’epoca scritto tra il 1992 e il 2004. The Tempest Songbook esplora liberamente i temi e i personaggi dell’opera di Shakespeare, creando una suggestiva visione lirica attraverso suoni nuovi ed antichi. Per questo allestimento in forma di concerto scenico FontanaMIX ensemble si avvale di due giovani voci, Paolo Leonardi e Laura Zecchini, scelte attraverso un’apposita masterclass curata da Alda Caiello.

Ensemble Premio Alberghini e musicisti FontanaMIX ensemble (tutors)

Bernardo Lo Sterzo direttore

musiche di Nikolai Kapustin / Maria Khodakivska / Arthur Lourié / Nikolai Roslavets / Alexander Shchetynsky / giovani compositori ucraini

in collaborazione con le Scuole di composizione dei Conservatori di Kiev, Odessa e Leopoli

Maria Khodakivska Reminiscences per violoncello, flauto, clarinetto, violino e pianoforte (2023)

Alexander Shchetynsky Looking at the Sky per flauto, clarinetto e pianoforte (1996)

Nikolai Roslavetz Trio n. 3 per violino, violoncello e pianoforte (1925)

Nikolai Kapustin Allegro for piano, violin and cello op.155 (2014)

Arthur Lourié Forme en l’air (a Pablo Picasso) per pianoforte (1915)

allievo compositore (Conservatorio di Leopoli)

allievo compositore (Conservatorio di Odessa)

allievo compositore (Conservatorio di Kiev)

La formazione di nuovi interpreti è una delle attività a cui l’ensemble FontanaMIX tiene di più sin dalla sua formazione. Tra il 2004 e il 2010 l’ensemble è stato in residenza presso l’Università di Bologna creando un progetto condiviso con il Dipartimento Musica e Spettacolo per il quale, tra le varie attività laboratoriali, erano previsti programmi formativi per giovani musicisti sotto i 30 anni.

Una formazione strumentale composta da cinque giovani musicisti under 30 (flauto, clarinetto, violino, violoncello e pianoforte) scelti fra i vincitori delle ultime edizioni del “Premio Alberghini”, sotto la guida e il tutoraggio dei musicisti del FontanaMIXensemble eseguirà nuove opere da camera di giovanissimi compositori ucraini e altri brani dei repertori moderni e contemporanei. La collaborazione al progetto “Primo Vere” con le Scuole di composizione dei Conservatori di Kiev, Odessa e Leopoli è una delle espressioni di solidarietà e sostegno verso la profonda cultura musicale ucraina e delle attività rivolte alla creatività musicale.

Cristina Zavalloni voce

Jacopo Facchini controtenore

FontanaMIX ensemble

Francesco La Licata direttore

Marcello Panni curatore versione ritmica in italiano del Pierrot e mise en espace

musiche di George Crumb / Olga Neuwirth / Arnold Schoenberg

in collaborazione con la Scuola di Teatro di Bologna “Alessandra Galante Garrone”

George Crumb Ghost-Nocturne for the Druids of Stonehenge per pianoforte dal “Makrokosmos” Volume II, 5 (1973)

Olga Neuwirth Tintarella di luna (2005-2013) cold song per controtenore e pianoforte

Arnold Schoenberg Pierrot Lunaire op. 21

ventuno poesie da Albert Giraud per voce e strumenti

versione in italiano di Marcello Panni

prima esecuzione assoluta

I compositori come Schoenberg e Stravinskij, lo sappiamo da lettere e testimonianze, esigevano che le loro opere teatrali fossero tradotte nella lingua degli ascoltatori, pensando che la comprensione delle parole fosse importante quanto le note. Il Pierrot Lunaire, scritto per un’attrice di cabaret berlinese, come tutti sanno, ha l’intenzione evidente di divertire il pubblico con i suoi versi bizzarri e grotteschi. Nella partitura sono riportate le indicazioni precise di Schoenberg per l’interpretazione, che “in ogni caso non deve mai ricordare il canto” né “il parlato realistico e naturalistico”, ma integrarsi con la musica strumentale. La traduzione ritmica in italiano è un compito arduo, ma ho cercato di seguire queste indicazioni non alterando in alcun modo il ritmo, e conciliando la comprensibilità con la ricercatezza delle immagini simboliste dell’originale, per trasmettere quell’ironia sottile del Pierrot che va perduta per l’ascoltatore italiano, se recitato in tedesco. Le ventuno poesie, diverse ognuna per carattere e spirito, diventano così altrettanti spunti per quadretti teatrali, da realizzare in parallelo anche visivamente, nello spirito di un moderno cabaret. Si può immaginare che l’idea del Pierrot affidato a un’attrice e non a una cantante nasca proprio dall’esigenza di AS di trasmettere un testo interamente comprensibile, come a teatro e come invece non succede spesso in un’opera lirica, dove i cantanti al di fuori dei recitativi tendono a storpiare le parole secondo le esigenze delle loro preziosissime ugole.

Ho diretto più volte il Pierrot Lunaire, e la prima volta a Milano ai Pomeriggi Musicali con Cathy Berberian nel 1970, fu in una traduzione inglese! Cathy sosteneva che quella traduzione fosse di Schönberg stesso, fatta per la prima in California, durante l’esilio americano. Un’altra volta l’ho diretto in italiano nella traduzione di Lele d’Amico e altri, che però non mi sembrò mai convincente. Le lunghe sere passate a casa durante il periodo del Covid mi hanno fatto venire di una nuova traduzione che tenesse conto dello spirito grottesco dell’originale, a sua volta una traduzione del francese. Sappiamo da Milhaud, direttore della prima in francese a Parigi dopo la Grande guerra, che In casa di Alma Mahler nel 1922 si tenne un confronto tra la versione francese diretta da Milhaud con Marya Freund e quella tedesca diretta da Schönberg con Erika Wagner e lo stesso Steuermann al pianoforte con dibattito a seguire tra loro. Serata memorabile!

Marcello Panni

FontanaMIX ensemble

Francesco La Licata direttore

Nicola Evangelisti regia del suono

musiche di Sylvano Bussotti / Nicola Evangelisti / Thuridur Jonsdóttir / Fausto Romitelli

Thuridur Jonsdóttir nuova composizione

prima esecuzione assoluta

Sylvano Bussotti Fragmentations pour un joueur de harpes

Nicola Evangelisti nuova composizione

prima esecuzione assoluta

Fausto Romitelli Professor Bad Trip: lesson I per ensemble ed elettronica (1998)

Agli esordi della sua attività ventennale il FontanaMIXensemble ha avuto il privilegio di collaborare con Fausto Romitelli, una vera meteora del panorama musicale contemporaneo. Un musicista outsider, la cui musica, pur avendo avuto ricevuto sicuramente influenze dallo “spettralismo” francese di Tristan Murail e Gérard Grisey, non ha precursori né epigoni: colpisce per la folgorante energia e per essere capace di catturare in modo originale fasce molto eterogenee di ascoltatori, dai cultori di musica contemporanea colta agli appassionati del rock progressivo.

Ogni brano è per il fruitore un viaggio in un mondo sonoro complesso ma profondamente seducente per la sua forza espressiva e comunicativa. Il ciclo dei 3 brani da camera Professor Bad Trip rappresenta forse il culmine della sua purtroppo breve attività compositiva. FontanaMIX dedica questo programma a Fausto Romitelli eseguendo Professor Bad Trip: lesson 1, brano che qui fa da punto di riferimento per le nuove creazioni di Nicola Evangelisti e della compositrice islandese Thuridur Jonsdóttir. Per il suo carattere visionario fa poi pendant la stravagante partitura di Sylvano Bussotti Fragmentations pour un joueur de harpes, un lavoro del 1962 che fu poi trasformato in azione coreografica da Ugo Dell’Ara che su questa partitura difficilissima materializzò, attraverso i movimenti ed i passi di due ballerini, le due arpe che l’interprete suonava contemporaneamente.

Benoît Moreau viola Aurelien Ferrete violoncello

Arturo Corrales chitarra elettrica e electronica

musiche di Carlo Ciceri / Arturo Corrales / Anna Korsun / Daniel Zea

Anna Korsun Sottilissime per trio d’archi

Carlo Ciceri Cruda per trio d’archi ed elettronica

Arturo Corrales Beyond (Estudio 1) / Bend (Estudio 3) / Swell (Estudio 4)

Estudios para guitarra eléctrica versione per chitarra elettrica e archi (2022)

Daniel Zea Pajarito azul per viola ed elettronica

L’Ensemble Vortex di Ginevra intraprende un viaggio in Italia per incontrare due importanti

ensemble della scena contemporanea, FontanaMIX di Bologna e Icarus vs. Muzak di Reggio Emilia, con l’intento di condividere alcuni dei loro amati pezzi per trio d’archi, con e senza elettronica; troverà ampio spazio anche il suono della chitarra elettrica. Il repertorio presentato in questo soggiorno italiano comprende brani di Daniel Zea e Arturo Corrales, due compositori fondatori dell’Ensemble Vortex, accanto a opere dell’amico Carlo Ciceri, di cui piangiamo la prematura scomparsa, e di Anna Korsun, giovane e già affermata compositrice ucraina. Spaziando dall’intimo pianissimo di alcuni pezzi alla fragorosa potenza di altri, la musica trasuda quell’energia sonora che contraddistingue l’Ensemble Vortex e la sua estetica, riuscendo a catturare il pubblico ad ogni esibizione.

un nuovo modo di fare musica

Alex Braga performer / Valentino Corvino violino

Douglas Hofstadter negli anni ’70, con il suo famoso Gödel, Escher, Bach si chiedeva in che modo l’intelligenza e la consapevolezza di sé avrebbero potuto prima o poi essere incarnate dai computer. Non è difatti un caso che Hofstadter nel suo libro abbia preso proprio a modello di reti neurali l’Offerta musicale di Bach, considerata uno dei vertici più alti mai raggiunti nella storia della musica. Il Kantor di Lipsia può essere considerato il primo vero uomo di calcolo, dotato di caratteristiche mnemoniche e di elaborazione (Hardware e Software) musicale che oggi sono andate sostanzialmente perse. È come se la sua capacità di concepire capolavori “di calcolo” come l’Arte della fuga o L’Offerta musicale fosse stata via via sempre più delegata, fino a diventare una facoltà “esternalizzata” dell’uomo. Vista con i nostri occhi contemporanei, la sua capacità di produrre, ricordare e persino dettare i contrappunti ha dell’incredibile, del sovrumano. Ma la tecnologia è entrata ormai a pieno diritto nell’assistenza della ricerca musicale della creatività. La domanda che dobbiamo farci non è se le macchine diventeranno strumenti creativi intelligenti, perché già lo sono. Il problema è se l’uomo rimarrà un soggetto creativo. E siccome il progresso non lo fermeremo, occorre saperlo assecondare. Persino la stessa Intelligenza Artificiale, consultata per gioco sottoponendole un quesito sul futuro della creatività umana, ha risposto che “le macchine possono essere uno strumento per stimolare la creatività, ma che l’ingegno umano rimane insostituibile”, dimostrandosi dunque collaborativa, non competitiva. Ogni intervento della tecnologia nel pensiero musicale può aprire almeno due strade: una per un accesso facile e superficiale, per fare meno fatica nei processi di scrittura musicale e un’altra realmente interattiva. Certo è che oggi, purtroppo, usiamo sempre meno l’arte della memoria, che stiamo perdendo progressivamente. Il tema semmai va affrontato sul diritto d’autore: chi è il vero autore se è stata una macchina ad aver prodotto i calcoli che hanno dato un certo prodotto musicale? La risposta passa anche dall’editoria musicale, che in questo contesto sembra muoversi in maniera obsoleta, non considerando che sempre più spesso la musica è figlia di un team collettivo e multimediale, in cui l’esecutore talvolta va equiparato all’autore. È proprio su questi quesiti che il progetto “Umano, troppo Umano”, in due giornate consecutive, vuole offrire due risposte e due diversi modi di fare musica con gli algoritmi: il 15 ottobre quello del curioso duo tra il pianista Roberto Prosseda con il suo robot TeoTronico (dotato di 53 dita) per il quale tre giovani compositori Matteo Cenerini, Antonio Macaretti e Davide Spina esperimentano nuove relazioni sonore fra l’interpretazione umana e quella robotica; il 16 ottobre quello dell’artista e performer Alex Braga che insieme al violinista Valentino Corvino è capace di esplorare nuovi territori sonori esaltando il talento umano con l’AI.